Las 25 películas más incomprendidas de la historia
## Starship Troopers (1997)
La circunstancia de que una película sea misinterpretada no siempre puede ponerse en cuentas en los pies de la audiencia: el director François Truffaut famosamente sugirió que casi es imposible hacer una película antigua Guerra, ya que el trabajo de un cineasta es crear personajes y situaciones atraentes que hacen que la guerra parezca emocionante por naturaleza. Puedes extender esa manera de pensar a la creación de villanos compelentes e anti-héroes—Michael Douglas, el odioso corredor de bolsa Gordon Gekko en la película de Oliver Stone Wall Street, se convirtió en un héroe para muchos que tomaron literalmente su frase satírica “el avaricia es buena”. Es cierto que a veces los cineastas hacen su trabajo demasiado bien, desmintiendo su propio punto al hacer a sus malos guyas demasiado atractivos. Darth Vader registró uno de los mayores contados de muertos en la historia del cine, y aún así terminó en la taza de todos los niños. La marketing también puede ser un problema; los tráileres nos entrenan a buscar cierta clase de película, así que una vez que estamos en el teatro, puede ser difícil ver algo diferente. Una película que parece un fracaso como terror puede parecer brillante una vez que sabemos que estamos viendo una comedia—pensar en Evil Dead II. Estamos entrenados a limitar nuestras expectativas, y a veces solo toma una mente más abierta.
¿Qué son las películas más malentendidas jamás—merito o no? En respuesta a esa pregunta, he intentado mantenerme en lecturas objetivas y evitar teorías de fans sofisticadas (The Shining es probablemente no sobre el desembarco lunar). Y comenzaré con una advertencia: Ninguna película interesante puede someterse a una interpretación única—aun así, el escritor y director pueden decir que está sobre una cosa, y algunos espectadores pueden tener una toma diferente. No estoy diciendo que estás equivocado, solo que hay cosas que no habrás considerado. (Estás equivocado si compras la teoría de Shining/desembarco lunar, sin embargo).
Starship Troopers (1997)
Starship Troopers es una adaptación fascinante e irregular en las maneras en que toma material literario sencillo—en este caso, la novelita de Robert A. Heinlein de 1959—y lo satiriza principalmente al tomarlo a la ligera. Es una crítica literaria disfrazada de película B de ciencia ficción que invierte los temas de la novela. Aproximadamente, la novela (con un argumento casi idéntico) sugiere que la guerra es inevitable y que el servicio militar podría ser la mejor cura para una decadencia moral general. El director Paul Verhoeven, que creció en los Países Bajos ocupados por los alemanes, se puso en duda (mientras que afirmaba que no pudo terminar el libro). En cambio, creó una sátira salvaje y sobrepasada que pone a relucir las posibles interpretaciones fascistas de la novela, abriendo su película con una “homenaje” a Leni Riefenstahl y incluyendo una serie de segmentos de propaganda nazi inspirados. Los personajes principales no tienen ninguna objeción en todo lo que les toca a los alienígenas “bugs”, ya que, claro, son el enemigo, por lo que se les permite cualquier tipo de crueldad y experimentos médicos. Muchos revisores iniciales la consideran una espectáculo vacío o un paeán sincero al fascismo; claramente no entendieron la broma.
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Skinamarink (2022)
No estoy seguro de lo que las personas esperaban al ir a ver la película instantánea de culto Skinamarink, ni cómo las interpretaron después—pero el puntaje de audiencia relativamente bajo comparado con críticas favorables de la crítica sugieren que muchos espectadores fueron de distintas tonalidades de impresionados y/o confundidos. Parte del problema, creo, fue gestionar las expectativas: Es muy difícil describir el argumento de la película, ya que carece en gran medida de trama—entramos aquí en un mundo que es principalmente atmósfera y vibra. Antes de completar esta película, el escritor/director Kyle Edward Ball mantenía un canal de YouTube donde creaba videos cortos basados en sueños de niños enviados por los usuarios. Skinamarink, filmada en la casa de infancia de Ball, extiende el sueño a larga duración y, en ese sentido, hace total sentido, capturando el sentimiento de desorientación y miedo tan común en la infancia. Fuera de la obra de David Lynch, no puedo pensar en otra película que mejor capture el sentimiento de estar a la deriva en un mundo hecho para adultos.
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Extitado hasta qué punto una película debe ser responsable de su fanbase? I'll save you a detailed explanation of all the real-life fight clubs that emerged after the release of this 1999 film by David Fincher, titled "Lucha Club" in Spanish, but a quick internet search will reveal that there's probably one near you if you're interested. Similar to the various men's encounter groups that became popular in the mid-'90s, "Fight Club" seemed to many viewers like a plea to reconnect with a certain type of masculinity—take off your shirt, make some soap, and beat the shit out of other guys, if only to feel algo. Tyler Durden became a hero. However, this is the furthest thing from what author Chuck Palahniuk intended; the book the film is based on argues that replacing numbness and capitalistic materialism with typical American male tough-guy bullshit is a like-for-like exchange. The film may fall short by making Durden too seductive (his plan to wipe out credit card debt also has a certain appeal), but the film ends with Edward Norton's Narrator using a gun to free himself from Tyler Durden's influence, after all. This is the part that many viewers seem to have overlooked.
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El Rey Poltergeist (1980)
Where to begin with "El Rey Poltergeist"? It's a movie that defies explanation and, at the same time, has generated enough interpretations to inspire an entire otro movie (Rodney Ascher's "Habitación 237") that delves into the pet theories of fans. The biggest misunderstanding here is about what the movie is supposed to be. Stephen King was famously unhappy with the adaptation of his book, a (very) loosely autobiographical work about his struggles with alcoholism. The Jack Torrance character, played by Jack Nicholson in the movie, provides the book's central point of view, battling, in the early chapters, to overcome his own demons and earning a last-act redemption.
The film doesn't show much sympathy for Jack. Seen from the outside, without his internal monologue, he's just a bully and an abuser. It's fair that Stephen King was disappointed with the portrayal of a character so closely reflecting his own struggles, but the film isn't trying to be the story of a man driven mad by trauma and substance abuse (and maybe ghosts); it's about what happens to an asshole when he's cut off from society's constraints. It's true that he doesn't have much of a character arc, but that's by design: He's a jerk. The horror is faced by those who have to live with him.
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Barbie (2023)
Even many of "Barbie"'s biggest fans see it as an exclusively pro-feminist film—and it certainly is that, but the message here is a bit more complex. Margot Robbie's Barbie embarks on a journey of self-discovery into the real world, discovering the ways in which she's been stifled and limited by the world's expectations of a beautiful doll, while Ryan Gosling's Ken discovers a world of male privilege and toxic masculinity. Many perceived an anti-male message, but the movie sets both characters on the same journey: Both Barbie and Ken realize that they've been limited by cultural norms; experiment with breaking those norms with mixed results; and gradually discover that their best selves have little to do with what's expected of them. Without discounting the movie's feminist messages, it's essential to note that the two characters start and end up in the same place—it's all about being yourself.
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A.I. Intelligence Artificial (2001)
Look, here's another Stanley Kubrick project. The late director acquired the rights to Brian Aldiss’ 1969 short story “Supertoys Last All Summer Long” in the early 1970s with the intention of making a film version. He continued developing the project right up until his death in 1999. The director had considered collaborating with Steven Spielberg on the project in the early 1990s, but that never came to be. With the full support of Kubrick's heirs, Spielberg returned to the project, penning a script based on a Kubrick-commissioned treatment from writer Ian Watson. The result was a fascinating blend of styles that left audiences and critics wondering how much of the movie belonged to each director.
One pieza que se debatió en el tiempo es la final feliz involucrando a Haley Joel Osment como el niño robot David de A.I. Artificial Intelligence teniendo una última día con su madre humana, Monica (Frances O’Connor), en el futuro lejano. Algunos espectadores creyeron que los seres misteriosos que hicieron posible la reunión eran extraterrestres, y por lo tanto, probablemente una adición de Spielberg (el director conocido por su preferencia por extraterrestres amigables, especialmente antes de Guerra de los Mundos). Pero no! No son extraterrestres, sino robots altamente avanzados. Además, la aparentemente feliz terminación es realmente muy triste—David casi no se convierte en el "niño real" que buscaba ser, y su afecto se revela ser solo programas, satisfechos por una versión recreada y falsa de su "madre". Cosas oscuras—y pura Kubrick, si se filtra a través de la sábana de Spielberg.
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American Psycho (2000)
La mayoría de los espectadores lo entendieron, pero American Psycho recibió críticas abundantes de espectadores y críticos que encontraron su violencia ultra-masculina ultra-sangrienta no solo desagradable, sino ofensiva. Esas interpretaciones se complican por el hecho de que la película se basa en un libro de Bret Easton Ellis, una figura no menos controvertida en su propio derecho. Sin embargo, el estilo satírico de la película es claramente sobre el límite, y la directora y guionista Mary Harron ha hecho claro que era su intención burlarse y enterrar la misoginia, no elogiarla.
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The Wolf of Wall Street (2013)
El corredor de bolsa y estafador Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) disfruta una vida fabulosa a lo largo de la mayoría de The Wolf of Wall Street corriendo por allá, ebrio de bolas, viviendo una vida lujosa y desinhibida gracias a los fondos de otras personas. Scorsese invierte mucho tiempo y energía en hacer que Belfort parezca genial, o al menos divertido de ser, y luego lo destruye al mostrar su caída, gradualmente incorporando la violencia y el asalto sexual, y mostrando el costo a las víctimas. La terminación muestra a Belfort fuera de la cárcel y en el circuito de conferencias, pero se presenta como otro montaje, terminando en una toma de una audiencia raptada que refleja a nosotros, haciéndonos considerar por qué nunca pensamos que este asesino era genial (o merecedor de una película).
Hay cierta razón para pensar que Scorsese se fue demasiado lejos al mostrar las partes salaschas de la vida de Belfort, y no lo suficiente mostrando el costo a sus víctimas, pero ese finaliza hace claro que su intención nunca fue lionizar al ladrón.
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Taxi Driver (1976)
La historia se desvió tanto de Taxi Driver y Martin Scorsese. Protagonizada por Robert De Niro como Travis Bickle y por Jodie Foster como la niña de calle sexista que "salva", la película incluye un intento de asesinato presidencial de Bickle—y muy por fuera de intención inspiró a John Hinckley Jr. para disparar a Reagan con el fin de impresionar a Foster. Además de eso, y la sucesión de películas de "taxis locos" que surgieron en los '70s, impactaron en la leyenda de Taxi Driver, y la terminación ambigua llevó a muchos espectadores a concluir que el Bickle violento es intencionadamente visto como un héroe. Sin duda, Bickle no se representa como un villano en pleno, sino un desconectado de la era de Vietnam; se le elogia brevemente por la prensa en la película final, lo que está destinado a ser irónico: Si Bickle hubiese logrado sus planes de asesinato, hubiera sido tratado mucho diferente. En los años siguientes, tanto Scorsese como el escritor Paul Schrader han hablado sobre la intención ambigua de la terminación.
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Child’s Play 3 (1991)
Muy diferente de Taxi Driver, pero también influenciada por eventos reales; en el caso de Child’s Play 3, las matanzas horríficas de un niño de dos años en Merseyside, Inglaterra. La prensa británica obtuvo la idea de que los niños habían estado recreando una escena de la película al cometer el asesinato, aunque los investigadores encontraron ninguna conexión—determinaron que los asesinos nunca habían visto la película. La reacción moral panica resultante llevó a la ley, y la película nunca logró escapar de la sombra de los asesinatos.
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Land of the Dead (2005)
Como con el anterior Day of the Dead, la película de zombis de George Romero anteriores que creció en estima, los zombis aquí son más inteligentes y interesantes que las hordas de muertos de antaño. Mientras que los críticos se centraron en los temas de clase que esta secuela eleva (están allí en la superficie), a menudo olvidaron los temas más amplios, más existenciales: Los zombis se muestran desarrollando su propia sociedad, y se nos animan a sentir compasión por ellos cuando los humanos atacan. Romero parece sugerir que la humanidad, tal como está, es casi irredeemable. Los zombis no podrían ser el final de las cosas, sino un nuevo (mejor?) comienzo.
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## Un film serbio (2010)
Upon estrenarse, Un film serbio obtuvo una reputación no deseada pero merecida de ser uno de los films más depravados hechos jamás. Esto le ha valido una seguidilla de fanáticos, aunque es realmente difícil de ver por muchas razones. Lo que muchas de las reseñas faltaron en hacer, sin embargo, fue la subtexto declarado de Srđan Spasojević: ha hablado sobre esfuerzos para paralelizar la lucha del mundo báltico después de la desintegración de Yugoslavia, y en particular, satirizar lo que ve como una plaga de corrección política que ruina el cine serbio. El film no fue censurado en Serbia, que carece de leyes de censura reales, por lo que las representaciones de violación infantil y necrofilia pueden parecer una exageración de su caso. La subtexto no necesariamente hace que un film bueno o digno de ver, pero aquí estamos. Según se escribió en The New York Times, "Un film serbio goza de su inventiva horrible y osos el espectador a encontrar un significado más profundo."
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Jennifer’s Body (2009)
Cómo comercializar algo como Jennifer’s Body? Es un problema con casi cualquier película que mezcla géneros o rompe reglas, y siempre lastima las recaudaciones. Como muchas películas similares, este ha vuelto a ser un clásico de culto en los años intermedios, lo que puede o no ser de consuelo para quienes perdieron dinero en él inicialmente. La película utiliza el terror y la violencia para empoderar a sus personajes femeninos adolescentes, pero se marketingfocused en su apariencia sexual, totalmente descuidando los temas femenistas y las intenciones de la pantalla de Diablo Cody y Karyn Kusama. Su estatus moderno de culto confirma que algunos espectadores eventualmente se dieron cuenta.
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(500) Días de Verano (2009)
Cuando se ve como una comedia romántica tradicional, (500) Días suena un poco raro, si un poco desagradable. La narrativa no lineal oculta cosas, pero una revisión sugeriría que no estamos realmente supuestos a rootear por Joseph Gordon-Levitt’s Tom Hansen, quien proyecta sus propias fantasías y deseos en Zooey Deschanel’s Summer Finn, y nunca realmente está interesado en su perspectiva. La mejor interpretación de su personaje es que está un poco delirante; en peor de los casos, es un acosador—lo que le da una nueva capa de ironía a la última línea (“Otoño”) una cosa completamente diferente.
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Inception (2010)
Es esa taza de metal que gira, no? Los totems como la taza de metal permiten a los personajes en la mente intrincada de Christopher Nolan saber si están despiertos o profundamente en sus propios subconscientes. En los momentos finales, Leo DiCaprio’s Dom Cobb la gira (si se detiene, significa una cosa, si gira sin parar, otra), pero decide no quedarse para ver el resultado—como el espectador, no somos testigos del resultado tampoco. Los espectadores han debatido sobre el destino de su personaje desde entonces, pero esa elección binaria es, en muchos sentidos, un punto muerto: según sugiere la película, y según lo que Christopher Nolan ha dicho (más o menos), la realidad puede verse diferente para diferentes personas, y los observadores externos no están en la mejor posición para juzgar la realidad subjetiva de nadie. Así que mientras que el debate sobre el totem es interesante, la película no termina en si el top cae. Finalmente, el hecho de que no importe es el punto.
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Juno (2007)
El aborto, un procedimiento médico seguro y establecido que fue legal en Estados Unidos por mucho tiempo, ha sido un tema tan polémico que estamos siempre en un peligro de reacción. Cualquier película o serie de televisión que involucra a un personaje buscando atención de salud reproductiva es, por supuesto, invitará escándalo—pero representaciones de personajes que optan por llevar a término un embarazo también pueden levantar sospechas. La Madonna vocalmente pro-elección, por ejemplo, fue brevemente una figura darwiniana cuando su canción de 1986 "Papa Don't Preach" vio a su protagonista manteniendo su bebe. Juno vio similares preguntas levantadas, dado que la protagonista Juno (interpretada por Elliot Page) considera el aborto antes de optar por poner el bebe en adopción. Aunque la pantalla de Diablo Cody evitó la discusión alrededor del tema, permitiendo que la película hablara por sí misma, ha sido clara de que es emfáticamente pro-elección, y que la decisión era precisamente esa: una decisión que Juno debía haber tenido el derecho de hacer.
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It's a Wonderful Life (1946)
Los estadounidenses tienen un clásico navideño favorito seguro que siempre ha sido una experiencia cálida y suave en la que las familias podían reunirse sin controversia? No es así. La película fue realmente una bomba en su estreno inicial, no resoniendo realmente con el público hasta transmisiones por televisión muchos años después. Sus undertones oscuros y sorprendentemente sombríos a parte (poco común que las clásicas familiares se basen en un intento de suicidio cercano), la película también fue un problema para los Feds. Aunque Frank Capra, el conservador republicano estadounidense, no era conocido por sus tendencias de izquierda, It's a Wonderful Life fue objeto de escrutinio por lo que se consideraba el maltrato del pobre, maltratado Sr. Potter (Lionel Barrymore). Un agente de campo informó al Director de la FBI J. Edgar Hoover de la siguiente manera:
Sobre la película ‘It’s a Wonderful Life,’ [un informante] dijo en sustancia que representaba intentos claramente obvios para desacreditar a los bancarios al representarlos como un ‘tipo de Escrooge’ para que fuera el hombre menos amado en la película. Según estas fuentes, es una técnica común utilizada por los comunistas.
El informe continúa sugiriendo que Sr. Potter era simplemente un bancero conscientizado haciendo solo su trabajo, y debía ser tratado así (estoy esperando la edición de esta película en la que George Bailey sea el villano). Así pues: lo que creíamos que era una clásica navideña segura para las familias es, en realidad, un trato insidioso de los comunistas. ¡Se lo han advertido!
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2001: A Space Odyssey (1968)
Desde entonces, los espectadores han estado rascando la cabeza durante más de 50 años, y su estatus bien merecido como una clásica del cine estadounidense significa que probablemente seguiremos rascando nuestras cabezas bien entrado el futuro. La provocación es el propósito de la película, en muchos sentidos, junto con evocar un sentimiento particular de asombro acerca del curso de la evolución humana. Aunque sugeriría que alguien en particular ha equivocado la película—hay muchas maneras de abordarla—tampoco es cierto que el argumento básico de 2001 sea por completo incomprensible. Stanley Kubrick mismo dio una buena y sencilla descripción del filme en una entrevista de 1969 con el periodista cinematográfico Joseph Gelmis. No es todo luz preciosa y caminatas espaciales trippy; su reputación de incomprensible mezcla es desproporcionada.
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Into the Wild (2007)
En este caso, la película se hace perfectamente clara, simplemente que los espectadores no estaban escuchando el mensaje. Es comprensible: la historia de la vida real de Christopher McCandless (aka Alexander Supertramp) encuentra al aventurero, desencantado con la sociedad moderna estadounidense, saliendo hacia la salvajesdad. ¿Quién no puede identificarse con la deseo de escapar? Pero McCandless, nunca del todo preparado para su viaje, terminó muriendo en la salvajesdad a solo 24 años. La película encuentra que llega a la conclusión, demasiado tarde, que la fuga de los problemas del mundo le han dejado sin ninguna conexión humana significativa, lo que es vital para la supervivencia. La película ha inspirado a muchos espectadores a seguir sus pasos, no todos ellos supervivientes.
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Josie and the Pussycats (2001)
Como corresponde a cualquier película que co-protagonice a Parker Posey, Josie ha tomado el estatus de culto en los últimos 20 años en parte por su encanto gracioso, pero también porque satiriza la comercialización crasamente de la entretenimiento de masas. Al momento de su estreno (cuando no hizo un centavo), los críticos y el público en general generalmente lo ignoraron, con la continua representación de productos en escena que recibió particularmente la atención. Cada escena tiene al menos una representación prominente de una marca—lo que era el chiste! Sin embargo, muchos se quejaron de ello. Pero esto no fue un caso de una película mordiendo la mano que le alimentaba—según el codirector/cocreador de la película Deborah Kaplan, hablando en las pistas de comentarios del DVD, los realizadores tuvieron que obtener el permiso de las marcas representadas, pero no fueron pagados por ninguna de ellas.
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A Nightmare on Elm Street 2: Freddy's Revenge (1985)
Como corresponde a cualquier película que coprotagoniza a Freddy Krueger, Josie y las Pussycats han tomado el estatus de culto en los últimos 20 años en parte por su encanto gracioso, pero también porque satiriza la comercialización crasamente de la entretenimiento de masas. Al momento de su estreno (cuando no hizo un centavo), los críticos y el público en general generalmente lo ignoraron, con la continua representación de productos en escena que recibió particularmente la atención. Cada escena tiene al menos una representación prominente de una marca—lo que era el chiste! Sin embargo, muchos se quejaron de ello. Pero esto no fue un caso de una película mordiendo la mano que le alimentaba—según el codirector/cocreador de la película Deborah Kaplan, hablando en las pistas de comentarios del DVD, los realizadores tuvieron que obtener el permiso de las marcas representadas, pero no fueron pagados por ninguna de ellas.
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### Freddy's Revenge (1985)
A menudo visto como el hijo bastardo de la saga Nightmare, Freddy’s Revenge evita en gran medida conexiones con el gran universo Freddy, y no muestra mucho respeto por las reglas establecidas en la original. En muchos sentidos, es una película transicional que une los Freddy tempranos, más terroríficos existenciales, con el trampolín chisteño de las películas posteriores; aquí Mr. Krueger trabaja para salir del mundo de los sueños y entrar en la realidad a través del adolescente hormonal Jesse (Mark Patton). Esto permite algunos efectos de horror corporal impresionantes, pero también se relaciona con el subtexto LGBT. El a menudo sudoroso y desnudo Jesse huye de su novia en los brazos de su mejor amigo, Ron. Encuentra a su entrenador en un bar gay; más tarde, ese entrenador es casi azotado a muerte por Freddy en los baños. Esto se asumió que era camp intencionalmente, pero las estrellas (Patton y Robert Englund) junto con el guionista David Chaskin han hecho claro en los años siguientes que sabían exactamente lo que estaban haciendo, y el subtexto LGBT era definitivamente el punto. El entonces cerrado Patton no siempre estaba contento con ello, y explora sus experiencias en el documental Scream, Queen!
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Spencer (2021)
A pesar de recibir reseñas positivas y obtener la primera nominación de Oscar para Kristen Stewart por su interpretación de la princesa Diana, Spencer no hizo negocios particularmente espectaculares, en parte, quizás, porque nadie supo cómo comercializarla. Se presentó como una biopícica simple, pero el público pagante se enfrentó a algo un poco más surreal y impresionista, una película que adquiere matices de terror mientras intenta capturar el estado de ánimo de la personaje principal. Una escena en particular que dejó perplejos a algunos espectadores implica a Diana y una larga cadena de perlas que destruye y luego come. Muchos espectadores han recurrido a Google para preguntarse si ese momento refleja un evento real—lo cual, claro está, no lo hace—aunque pudo haberse inspirado, quizás, en el mito de Cleopatra y su comida de perlas. Ninguna perla fue lastimada durante la filmación; Stewart estaba comiendo chocolate.
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Breakfast at Tiffany's (1961)
Truman Capote estaba descontento con la versión cinematográfica de su novela de 1958, empezando por el elenco, especialmente con la elección de Audrey Hepburn (había imaginado a Marilyn Monroe). Recuerdada principalmente como la comedia romántica más alegre de todos los clásicos, es fácil olvidarse de que, a pesar de que suaviza algunos de los elementos más risqués, están todavía allí en el fondo, si se muestran menos explícitamente. Si no es una trabajadora sexual en sí, Holly Golightly sigue siendo una mujer pagada generosamente por los hombres que acompaña; también es una antigua niña casada que fue madrastra de cuatro niños a los diecisiete años. La reputación popular de la película deja mucho de eso fuera, pero hay mucha más oscuridad y complejidad en pantalla que la famosa cartel de Audrey Hepburn sugiere. (Por supuesto, lo mejor de olvidar sobre el papel de Mickey Rooney, Mr. Yunioshi.)
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Glengarry Glen Ross (1992)
Coloque esta una en la categoría de personajes tóxicos redimidos por actuaciones carismáticas: Alec Baldwin, famoso por su "el café es para cerradores," es un motivador excesivamente intenso y algo cruel para los cuatro vendedores inmobiliarios: Después de una tormenta de insultos, les informa a nuestros protagonistas que solo dos de ellos sobrevivirán el mes. Blake, cuyo papel fue ampliado drásticamente para la versión cinematográfica (adaptada de una obra de David Mamet), ha sido visto por algunos como la figura principal del film: una presencia energética y fuerte entre los vendores de inmobiliaria tristes. Esto es complicado, sin embargo: David Mamet, desde la escritura de la obra, ha cambiado drásticamente sus preferencias políticas, pasando de un liberal autodescrito a un fanático de MAGA, un gran defensor del capitalismo sin reparos y un detractor de los abortos y los homosexuales (todos pedófilos, según él). Por lo tanto, mientras parece que esta película y el personaje de Blake han sido malinterpretados, es probable que un David Mamet moderno esté de acuerdo contigo si estás dispuesto a verlo como el héroe.
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The Philadelphia Story (1940)
Coloque esto en la categoría de personajes tóxicos redimidos por actuaciones carismáticas: Clyde Barrows, famoso por su "si no me pagan, me iré," es un motivador excesivamente intenso y algo cruel para Tracy Lord y sus pretendientes: Después de una serie de insultos, le informa a sus pretendientes que solo uno de ellos será el esposo de Tracy. Barrows, cuyo papel fue ampliado drásticamente para la versión cinematográfica (adaptada de una obra de Philip Barry), ha sido visto por algunos como la figura principal del film: una presencia energética y fuerte entre los personajes. Esto es complicado, sin embargo: Tracy Lord, a diferencia de Tracy en la obra original, es una mujer mucho más independiente y determinada, lo que hace que el papel de Barrows sea menos dominante. Sin embargo, su actuación magistral por William Holden hace que el personaje quede bien en el recuerdo.
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Siguiendo algunos años pasados en el desierto salvaje de Hollywood, durante los cuales fue etiquetada como "veneno de taquilla" (junto con otras actrices populares que no eran tan rentables como antes), The Philadelphia Story fue el gran regreso de Katherine Hepburn, emparejándola con Cary Grant y James Stewart. Ella está en el centro del triángulo amoroso del filme, sin duda, pero el guion también la deja caer un poco: La actriz cuyo poder la hizo popular en los primeros '30 estaba desconectada de los públicos más conservadores de la década siguiente, y así Philadelphia Story vio a su personaje Tracy Lord dudando de sí misma y comprendiendo que su perfeccion y poder son amenazantes para los hombres y no le están haciendo bien. Esto está todo perfectamente calibrado para aumentar el apelo de Hepburn sin abandonar por completo la impudicia y la fuerza que la hicieron una estrella inicialmente—y esto estaba todo por diseño. La obra original fue escrita para Hepburn, quien proveció el financiamiento para que el proyecto saliera adelante. Cuando el espectáculo tuvo éxito, adquirió los derechos y los vendió a MGM, obteniendo el poder de veto sobre casi todos los aspectos significativos de la producción en el proceso. Fue un éxito, y también un poco de engaño: La película que acabó suavizando la imagen de Hepburn fue, en realidad, una de las mayores maniobras de poder de Hollywood.
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La malinterpretación de la intención de una película puede llevar a películas malentendidas, como se vio con "Fight Club" y la percepción errónea de Tyler Durden como un héroe, en lugar del antihéroe que la película pretendía. De manera similar, "The Shining" fue a menudo visto como una película de terror simple, ignorando la exploración crítica de las turbas emocionales y las restricciones sociales del personaje principal.
En el contexto de la entretenimiento, hay algunas películas tan satíricas en capas que a menudo son malentendidas por sus primeros espectadores. Por ejemplo, "Starship Troopers" apareció inicialmente como una película B de ciencia ficción para muchos, pero su intención real fue satirizar temas militaristas, según confirmó el director Paul Verhoeven mediante su inclusión de segmentos de propaganda nazi inspirados.
